POSTED BY HDFASHION / April 4TH 2024

Paolo Roversi sa Galliera musée de la mode de la ville de Paris

Hindi lang ito isang malaking – ang pinakamalaki, actually – eksibisyon ng gawa ni Paolo Roversi, ito rin ay ang kanyang una sa Paris, ang lungsod kung saan nagsimula ang kanyang karera bilang fashion photographer noong 1973. Nagbukas ang exhibit sa Parisian fashion museum na Palais Galliera. Nag-assemble ang mga organizer ng 140 photographic na gawa, kabilang ang ilan na hindi pa nakikita ng publiko, nagdagdag ng mga bagay tulad ng mga magazine, lookbook, mga imbitasyon na may footage ni Roversi, at Palaroids ng photographer. Ang lahat ng ito ay binuo ni Sylvie Lécallier, ang punong tagapangasiwa ng koleksyon ng photographic ng museo. Itinanghal nang magkasama sa unang pagkakataon bilang pagdiriwang ng 50 taon ni Roversi sa photography, ipinapakita nila sa mga bisita kung ano ang pumapasok sa kanyang sining at kung paano ito gumagana.

< /p>

Ang karamihan sa mga gawa ni Roversi sa pangkalahatan, at sa partikular na eksibisyon na ito, ay mga portrait (bagaman mayroon ding mga larawan ng kanyang paboritong camera at isang aso na marahil ang kanyang paborito, ngunit sila rin, ay mga uri ng larawan). At salamat sa tiyak na katangian ng kanyang trabaho, ang karamihan sa mga paksa ng mga portrait ay mga modelo; nakatrabaho niya ang lahat ng sikat na fashion models sa nakalipas na 30 taon, ngunit bihira siyang mag-shoot ng mga portrait ng mga celebrity. Ngunit kahit na sa pagbaril sa mga sikat na modelo, hindi niya muling ginagawa ang mga cliché na pamilyar sa publiko: hindi niya typecast ang kanyang mga paksa bilang mga seksing diyosa, malandi na babae, androgynous na android, o iba pang sikat na stereotype. Sa isa sa kanyang mga panayam, sinabi ni Roversi ang mga sumusunod tungkol sa kanyang sining, bagama't tinawag niya itong "teknikal", hindi "sining": "Lahat tayo ay may isang uri ng maskara ng pagpapahayag. Nagpaalam ka, ngumiti ka, natatakot ka. Sinusubukan kong alisin ang lahat ng mga maskara na ito at unti-unting ibawas hanggang sa may natitira kang puro. Isang uri ng pag-abandona, isang uri ng kawalan. Mukha ngang absence, pero sa totoo lang kapag may ganitong emptiness I think lumalabas ang interior beauty. Ito ang aking teknik."

Si Kate Moss ay hindi mukhang reyna ng heroin chic, si Natalia Vodianova ay hindi mukhang isang takot na usa, at si Stella Tennant ay hindi kamukha ni Virginia Woolf's Orlando. Kung ano ang nangyayari sa kanilang lahat ay eksaktong sinabi ni Roversi: inaalis niya ang lahat ng mga maskara na ito hanggang sa isang malinis na bagay na lang ang natitira. Kabalintunaan, ang paghiwalay na ito na nilikha ng kanyang camera ay hindi nagpapalaki ng distansya sa pagitan ng manonood at ng mga modelo, ngunit binabawasan ito, na inilalapit sila sa atin sa kanilang pagkatao, kasama ang lahat ng kanilang mga personal na idiosyncrasie. Ito ay lalo na kapansin-pansin sa serye ng Nudi, na nagsimula noong 1983 na may isang hubad na larawan ni Inès de La Fressange para sa Vogue Homme, na kinunan sa kasagsagan ng kanyang karera, at pagkatapos ay nagpatuloy bilang kanyang pribadong proyekto, kung saan kinunan niya ang sikat at hindi gaanong sikat. mga modelo. Laging sa parehong paraan - hubad, full-size na mga portrait, direktang nakatingin sa camera, sa ilalim ng direktang buong liwanag na walang anino, kinunan sa itim at puti, at pagkatapos ay muling kinunan sa isang 20x30 na Polaroid - at ang tila nakakalayo at nagkakaisang epekto na ito ay may lumikha ng isang espesyal na lalim at pagpapahayag. Kinokolekta ang mga ito sa eksibisyon sa isang hiwalay na silid – at ito marahil ang pinaka nakakaantig na bahagi nito, dahil ang mga hubad na katawan na ito ay walang anumang sekswalisasyon.

Sa pangkalahatan, gusto ni Roversi na gumamit ng 8x10 Polaroid camera, ang pelikulang hindi na ginawa, at ang photographer, gaya ng sinabi niya, ay binili ang lahat ng mahahanap niya. Ang kamera na ito ay naiugnay sa kanyang kakaiba at napakakilalang istilo na gumagamit ng kulay at liwanag upang lumikha ng epekto ng isang pagpipinta. At kahit gumamit siya ng ibang camera, nandoon ang epekto. Marami ang sumubok at sinusubukang kopyahin ang epektong ito, ngunit ang resulta ay karaniwang isang bagay na nakapagpapaalaala sa gawain ng AI. Ang orihinal na mahiwagang realismo ni Roversi ay makikita nang detalyado sa eksibisyon – sa kanyang mga shoot para sa Vogue France, Vogue Italia, Egoïste, at Luncheon, sa kanyang mga kampanya para sa Yohji Yamamoto, Comme des Garcons, at Romeo Gigli. Ang gawa ng scenographer ng eksibisyon na si Ania Martchenko, na lumikha ng ilan sa kanyang signature trompe-l'œil sa anyo ng isang bintana o isang bahagyang nakabukas na pinto na naglalabas ng liwanag, ay nagbibigay-diin sa paggamit ng master ng liwanag sa metapora at literal.

Ngunit ang mismong pakikipag-ugnayan ni Paolo Roversi sa fashion, sa mga koleksyon ng fashion, ay medyo kakaiba – nag-shoot siya sa paraang ginagawa itong pangalawang paksa ng larawan, ngunit ang mga litrato ay hindi tumitigil sa pagiging fashion. Gaya ng sinabi niya sa kanyang sarili: "Ang mga damit ay isang malaking bahagi ng isang larawan sa fashion. Ito ay isang malaking bahagi ng paksa. Kahit na, para sa akin, ang bawat larawan sa fashion ay tulad ng isang portrait - nakikita ko at tinatrato ko ang bawat imahe bilang isang larawan, ng isang babae o isang lalaki o isang lalaki - ngunit ang mga damit ay palaging nandiyan at maaari nilang gawin ang interpretasyon ng imahe. mas mahirap.”